Sin duda es un cliché, pero el viejo adagio «menos es más» es algo que encontramos cada vez más importante cuando hacemos música en el estudio…

Cuando las cosas no van como quieres en el plano de la composición musical, resulta casi irresistible comenzar a acumular pistas, agregando más y más con la esperanza de que las deficiencias de la música eventualmente se entierren.

Sin embargo, esto casi nunca funciona y, de hecho, hay que trabajar en el proceso opuesto: Separar las cosas y mantener sólo lo que es realmente importante, que tiene una tasa de éxito mucho mayor.

Este enfoque minimalista del arte de la producción ha de ser, por lo tanto, una regla permanente en nuestra vida musical –pero sentimos que su presencia surge también en muchas otras formas de arte. Desde la pintura hasta el teatro y más allá, la acción de restar cosas a menudo ayuda a llegar al núcleo de lo que el autor realmente intenta decir con su trabajo.

El Cine no es un mundo diferente, y es en el mundo de la producción de películas y sus bandas sonoras donde queremos ahondar con el tutorial de hoy.

melodía como ritmo en las bandas sonoras de Cine

Las reglas del juego

Una banda sonora de la película está ahí para acompañar algo: La han diseñado para ser consumida junto a un elemento visual, para embellecer, mejorar e incluso transformar sutilmente su significado. Esta es la razón por la cual las bandas sonoras tienden a ser bastante minimalistas, incluso de corte Ambient, sirviéndose de un pequeño grupo de capas instrumentales que no necesariamente requieren una atención total.

La transmisión de una experiencia musical completa y satisfactoria dentro de este contexto resulta ser, por tanto, un arte muy difícil de dominar. Aunque por fortuna para nosotros hay un puñado de trucos probados que ayudan al compositor a no perder el impacto cuando trata de reducir las cosas a sus elementos esenciales absolutos.

Uno de esos trucos es algo que creemos podría ser una herramienta importante en el cinturón de cualquier productor, a la que nos referimos como «usar la melodía como ritmo». Es algo que habrás escuchado una y otra vez en el Cine, pero de lo que no necesariamente habrás sido consciente del todo, ¡y es que así es su capacidad de ocultarse a primera vista!

Tomemos un momento para deconstruirlo…

La melodía como ritmo

Uno de los roles principales de una banda sonora es dictar el ritmo de la secuencia de tomas o imágenes de una película; así las cosas, a menudo el ritmo y el tempo de la música ayudan al director y al editor a trazar el flujo y el impulso de la historia de su película.

Por supuesto, esto se puede lograr a la perfección con instrumentos impactantes en auge y la manida percusión orquestal –ya sabes, la historia de la música para Cine está plagada de ejemplos poderosos de justo esto.

Sin embargo, una parte de percusión enorme y ruidosa no siempre se ajustará al contexto, y a menudo se requiere un enfoque mucho más sutil. Aquí es donde interviene la técnica de «usar la melodía como ritmo», que un compositor utilizará para convertir un pasaje melódico y tonal en un esquema que delinee además el ritmo de la música.

Esto permite que el compositor de películas reduzca su música a una sola parte, que puede deletrear patrones melódicos y rítmicos al mismo tiempo. Y bien, mejor echemos un vistazo a algunos ejemplos de esta técnica.

Una parte de percusión enorme y ruidosa no siempre se ajustará al contexto, y a menudo se requiere un enfoque mucho más sutil

En acción

Cuando esta técnica se utiliza en la creación de partituras de bandas sonoras para Cine, a menudo se mantiene rítmicamente muy simple para que el pulso o el tempo sean claros al extremo, así como para evitar que la música enfoque demasiado el lado visual de la película.

En tal caso el humilde arpegio se presta extremadamente bien a este proceso, ya que suena estricto en cuanto a ritmo y melodía, y puede repetirse más o menos de forma indefinida. Los efectos de retardo o delay también son muy importantes, ya que permiten al compositor definir el ritmo y llenar el espacio en la partitura sin introducir notas nuevas.

Para nuestro primer ejemplo, escuchemos la apertura de la partitura de Ben Salisbury y Geoff Barrow para la excelente cinta Ex Machina (Alex Garland, 2015):

Después de encontrarnos un colchón de sintetizador o drone extendido y evolutivo, una nota grave en la marca de tiempo 0.50 introduce lo que suena como un clásico arpegio de sintetizador analógico, en capas con delay para establecer un ritmo rápido a 3/4.

Este arpegio menor se basa en el tono ominoso desarrollado por el anterior colchón de sintetizador, oscureciendo aún más el estado de ánimo al que nos induce la música. Y por supuesto, el ritmo actúa para impulsar la partitura y, por lo tanto, la película, hacia el próximo momento y la toma musical… ¡Esto es melodía como ritmo en acción!

Usa el ritmo como nota de humor

Ahora, aquí tenemos un ejemplo rítmicamente más interesante con sincopación y mucho delay, desde la legendaria partitura de Cliff Martinez para Solaris (Steven Soderbergh, 2003):

Realizado sobre tambores de acero (steelpan) hechos a medida, el lado melódico de esta toma se hace algo ambiguo gracias a la naturaleza ligeramente inarmónica de ese instrumento. Y es que aunque afinado y capaz de escupir tonos audibles, un tambor de acero emite armónicos de menos claridad y definición como los generados por un piano, por ejemplo).

La calidad suave y apagada de la percusión resultante, interpretada con mazos de fieltro, se suma a la trama misteriosa y onírica de la música, para transmitir una sensación no de seguridad o miedo, sino de alguna sensación entre medias.

Sin embargo, al menos de igual importancia para este corte es la interacción rítmica entre las diversas partes del steelpan, ya que éstas se entrelazan entre sí y establecen un ritmo claro y danzante. Añaden un pulso suave y delicado a la música, una especie de relleno que calma tanto como genera tensión a medida que se desarrolla la toma.

Nuestro tercer ejemplo combina elementos de los dos anteriores: Una línea o riff de sintetizador con retardo y sincopado de la partitura de Max Richter para Ad Astra (James Gray, 2019):

Un filtro paso-bajo ayuda a desarrollar y liberar la tensión a medida que el arpegio se agacha y sumerge en una escala menor, manteniendo el estado de ánimo melancólico e introspectivo a medida que avanza la partitura.

Cómo mantener la amenaza

El último ejemplo sobre el que deseamos llamar tu atención proviene de la famosa partitura de Disasterpeace para el éxito de terror sobrenatural It Follows o Está Detrás De Ti en español (David Robert Mitchell, 2014):

Después de que algunos tambores fuertes y ominosos abran el camino, un riff de sucio sintetizador de bajo basado en una onda en diente de sierra, establece y mantiene el ritmo y el tempo de la toma. Eso marca los tiempos principales del compás y se embellece con un efecto de trémolo que impone un ritmo complementario a negras por encima.

Todo acerca de este bajo de sintetizador contribuye a la toma: Su textura sucia y distorsionada y las notas bajas repetidas configuran la atmósfera temible, y su ritmo tan constante como simplificado y el efecto de trémolo, actúan casi a modo de una sirena de advertencia.

Podemos aprender mucho tanto de las partituras par Cine como de la producción musical en este sentido…

Los ritmos en el Cine

Esperamos que la discusión anterior de lo que llamamos «melodía como ritmo» os haya dado una idea esclarecedora de los mecanismos de la música para Cine; la verdad es que no hace falta decir que el impulso, la tensión y la liberación son tan importantes para el mundo del productor musical como lo son para el compositor de películas. Así que todo parece indicarnos que podemos aprender mucho tanto de las partituras como de la producción musical en este sentido.

Si quieres probar este proceso en tu propia música para descubrir hasta dónde podría llevarte, los recientes lanzamientos Spill – Dark Cinematic SamplesScreenplay – Serum Cinematic Presets de Mode Audio contienen elementos melódicos secuenciados que llevarán esta dimensión compositiva a tu DAW. Además, su paquete Suspense – Dark Cinematic Loops también está repleto de elementos y secuencias para bandas sonoras de terror.

Hasta la próxima; mientras tanto, ¡mantente creativo!

Este contenido se publica mediante licencia expresa del autor. El texto original en inglés, «Cinematic Inspiration: Using Melody As Rhythm«, está disponible en el blog Magazine de Mode Audio. Adaptación al español y aportaciones de jalvac.

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