Con cada actualización de Live, los diseñadores de Ableton introducen mejoras y funciones que nos encantan. Pero esa vorágine de cambios y adaptaciones suele provocar que ciertos trucos sencillos pero eficaces pasen desapercibidos.

¿Y cómo se desentierran esas pequeñas gemas ocultas? La solución más "académica" sería empaparse el manual. Live no adolece de defectos heredados de versiones previas como otros secuenciadores, así que todo cambio se asimila con rapidez. Una alternativa si no quieres dejarte los ojos en un libro es sentarte directamente frente a Live para esbozar y desarrollar un arreglo mientras aprendes las funciones básicas y los atajos de teclado. Vale, mover el ratón y hacer clic sobre cualquier opción o parámetro a la vista no parece un enfoque muy ortodoxo, ¡pero la diversión y las sorpresas están garantizadas!

Hay una tercera vía –recurrir a los foros sobre Live en Internet. El problema es que la info útil se entremezcla con entradas que te desorientan, te confunden o directamente te ponen de mal humor. Ableton mantiene su propio foro, que quizá te parezca más fiable. Una última alternativa es leer, releer y seguir los tutoriales de nuestra revista Guía Esencial 2010 sobre Ableton Live. Y de su selecto contenido es de donde hemos extraído estos catorce consejos...

Si visitas esta web a diario, habrás percibido una nueva sección en el índice de este portal en la que directamente te da acceso a contenido ya publicado, y de forma totalmente gratuita.
En esta primera recopilación procuramos agradar todos los gustos y necesidades, y por eso te ofrecemos tutoriales específicos para géneros enraizados en la guitarra, como el metal o el rock, pero sin dejar a un lado estilos de pura cepa electrónica. También ampliamos tus posibilidades creativas con una extensa guía para crear bandas sonoras, y cubrimos otros aspectos más generalistas con 12 trucos para usar tus plugs de forma ejemplar, como un profesional.
Esperamos que los siguientes cinco tutoriales te mantengan ocupado durante este fin de semana... ¡disfrútalo!

La síntesis por modulación de frecuencia (FM) modula el tono de un oscilador con el tono de otro, lo cual ocasiona delirantes armónicos que producen todo tipo de sonidos, desde melódicas láminas metálicas hasta chirriantes bocinazos atonales. Todo sale del mismo sitio –créenos…
La mayoría de los sintes actuales poseen funciones FM, pero en este artículo utilizaremos Blue, un softsinte creado por el prestigioso diseñador y sintetista Rob Papen.
En realidad, las opciones FM de Blue no llaman mucho la atención –de hecho, pasan desapercibidas hasta que echas un vistazo al menú ‘Alg’. Este nombre es una abreviatura de “algoritmo”, y describe el flujo del sonido entre los osciladores que crean todos los típicos armónicos modulados de la síntesis FM. Es posible encaminar y modular entre sí los osciladores de muchas formas, y aquí nos fijaremos en un par de ellas bastante diferentes.

Así que te consideras un buen guitarrista! Tienes alguna que otra guitarra de calidad, un buen ampli, pedales de efectos y todo lo necesario. Ensayas con tu grupo unas cuantas tardes a la semana, soñando con la fama y lo que ella conlleva: dinero, viajes, sesiones de fotos, chicas/ os, etc. Pero antes de conseguir todo eso, tienes que hacer que todo el mundo conozca tu música. ¡Necesitas una grabación!
En el tutorial de este fin de semana, te guiamos paso a paso a través del proceso de grabación de guitarras (eléctricas o acústicas) con un ordenador y más allá, hacia los confines de la mezcla y el procesamiento. Te mostramos también qué equipo necesitas realmente para conseguir unas grabaciones de guitarra que impresionen.
Hace unos cuantos años, grabar tu guitarra suponía tener al alcance un costoso grabador de cinta, un par de micros de calidad, efectos –que costaban una pasta– y una buena sala. Por suerte, ya no es así. Gracias a los avances de la tecnología moderna hay versiones soft de cualquier tipo de ampli o efecto de guitarra que puedas imaginar, e incluso programas que tocarán fraseos de guitarra por ti, si tu técnica no es muy brillante o incluso, si no eres capaz de dar una sola nota.

Para este fin de semana te proponemos un repaso a las diferentes opciones creativas que el procesamiento de filtrado aporta e tus temas.
Desde ir subiendo lentamente la frecuencia de corte resonante en un barrido minucioso hasta llegar al más orgásmico subidón, hasta rápidas secuencias moduladas por secuenciadores por pasos, LFOs o mediante muestreo o retención, lo que consigue articular algunas frases con un toque característico al más puro estilo minimal...
Pero no te ancles al tipo filtro paso-bajos de 12dB de caída, pues existen otros tipos de filtrado (en peine, vocal, banda-rechazada, auto-oscilante) capaces no sólo de colorear y matizar determinadas frecuencias del espectro, sino que algunos de estos excitadores selectivos, ¡transformarán por completo tu sonido!

Cualquiera que se tome la programación de ritmos en serio, necesitará un buen arsenal de sonidos de batería y un sampler o caja de ritmos decente. Por suerte, hoy tenemos a nuestro completo alcance multitud de ellos.
Conviene recopilar poco a poco una buena colección de golpes de batería, pues serán los ingredientes que manejarás. Intenta organizar tus samples en dos grupos básicos, uno con samples crudos sin EQ ni efectos, y otro con muestras que hayas procesado de algún modo especial en tus producciones.
Al final, tendrás una librería de muestras a medida con la que forjarás "tu sonido"...

La guinda de un buen pastel musical son las voces de fondo. Sin embargo, la gente que empieza a hacer música, suele añadirlas como una ocurrencia de última hora. Eso es un error, porque unas buenas voces de fondo te diferenciarán de cualquier otro aspirante a productor. Pero, ¿qué son las voces de fondo?, ¿por qué debes ocuparte de ellas?, y ¿qué debes hacer para conseguir que suenen bien?

La música es una forma de comunicación, y ningún loop de batería, CD de samples, ni sinte hardware o software lograrán comunicarse con tu audiencia de un modo más directo y efectivo que la voz humana...

No importa que seas Trevor Horn, George Martin o Roni Size… no hay nada más complicado en el mundo de la producción musical que conseguir plasmar una buena idea en un tema genial y a veces, simplemente terminarlo. No hay un solo productor musical o compositor que no tenga como idea un par de compases que nunca logra terminar.
Cuando empezaste esos compases, seguro que pensaste que se trataba del trabajo más fino que jamás habías hecho, y que te proporcionaría fama y fortuna. Pero según iban pasando los días, tras haberlo escuchado unas doscientas veces, llegó un momento en el que preferías tener tarántulas en las orejas antes que escuchar una vez más esa “obra maestra”.

Hay pocas sensaciones en el mundo de la creación musical tan emocionantes como la de construir nuevos loops para utilizarlos en tus pistas -pero, ¿qué ocurre cuando has exprimido al máximo tu colección de samples?
En este tutorial pretendemos revitalizar una vez más tu desgastado banco de sonidos. En general es muy divertido el trabajar con loops, porque ponerse en marcha con ellos es relativamente sencillo y generalmente son muy versátiles.

Cocidos, en puré, guisados... existen multitud de maneras de “cocinar” cada tipo de loop, y como siempre, aquí te proponemos una amplia variedad de técnicas y consejos que te ayudarán a sacar el máximo partido a tus librerías de samples...

Hace un tiempo, dedicamos un dedicamos un tutorial a las composiciones orquestales y a su emulación por medio de un sampler. Sin embargo, en aquella ocasión, nos centramos en los sonidos orquestales puros, hasta el punto de ignorar ese maravilloso instrumento que es el saxofón.

En esta ocasión trataremos de compensarlo prestando toda nuestra atención a los instrumentos que solemos identificar como “sección de metales”, o “metales”: las trompetas, trombones y saxofones.

Empezaremos analizando las características y la composición para cada instrumento (por si tienes ocasión de trabajar con músicos en directo) y luego, con ese bagaje, intentaremos recrear sus sonidos con un sampler.

Seguramente, el panorama es el elemento al que menos importancia damos en el proceso de mezcla. Casi todos nosotros lo pasamos por alto, pensando poco o nada en algo que, de hecho, es uno de los principios fundamentales de la ingeniería sonora. El panorama tiene el poder de convertir una mezcla gris y anodina en una fascinante visión sonora.

Hoy las versiones no tienen nada que ver con los oportunistas “refritos” de grandes éxitos. En vez de limitarse a copiar el último álbum de moda para venderlo en gasolineras y supermercados, ha surgido una nueva generación de mashers que remezclan y lanzan sus propias versiones el mismo día que se publican los originales –a veces, incluso, con el consentimiento del propio artista, como en el caso de los últimos discos de Chemical Brothers y Prodigy–.
¿Cómo es posible todo esto? Sin duda, tiene mucho que ver el hecho de que ahora disponemos del software perfecto para hacer de las versiones algo mucho más rápido y divertido –y además podemos compartir lo que hemos hecho en la Red con gente de todo el mundo que comparte nuestros gustos.
Hemos seguido a los principales talentos. Cada uno muestra una visión y atesora sus propios trucos sobre este oficio, pero todos ellos tienen algo en común: trabajan en su casa, con los mínimos equipos y la máxima creatividad.

Los pedales y racks de efectos son los recursos más obvios para procesar señales de guitarra, pero vamos a proponerte un par de ideas hardware y software que también afectan al sonido.
Uno de los accesorios más interesantes para cualquier guitarrista eléctrico es el EBow (también funciona con acústicas, pero está más limitado), un curioso dispositivo a pilas que presentaron en el NAMM de 1976 y cuyo primer usuario fue Jerry García.
El EBow se coloca en la zona de las pastillas sobre una cuerda, que hace vibrar por medio de un campo magnético. Como el campo tiene un flujo constante, el sonido de la cuerda estará sostenido todo el tiempo que el EBow permanezca encima, generando increíbles resultados cuando interactúa con el propio campo magnético de las pastillas. El timbre y el volumen de la señal dependen de la distancia del EBow a las pastillas y las cuerdas.

Hoy es muy corriente en los estudios producir pistas instrumento a instrumento, sobre todo si trabajas en tu estudio casero, aunque también suele darse este caso en los estudios profesionales. Ese método resulta muy eficaz para hacer música basada en sintes, pero otras veces se consigue mejor el auténtico groove de una pista con todos los músicos tocando juntos en directo, como una unidad. Por supuesto, invitar a la fiesta a un baterista y a un cantante, además del guitarrista, genera algunos problemas técnicos de grabación, pero es posible solventarlos con relativa facilidad (al menos para un guitarrista eléctrico).
El gran problema para grabar un grupo son las fugas de señal. Nos referimos a las grabaciones de un instrumento en una pista dedicada a otro instrumento distinto. La forma más sencilla de evitarlas, consiste en separar cada instrumento, junto a su intérprete y micro, en salas aisladas. Esto tiene el inconveniente de que separando a los músicos estás negando la razón principal para reunirlos, que no es otra que fomentar su comunicación mientras tocan. Además, esta opción presentaría varias dificultades a nivel acústico, sobre todo en un estudio casero.

Gestionar la dinámica de la guitarra tiene mucha importancia a la hora de grabar y mezclar este instrumento. Por supuesto, la dinámica inicial está bajo control del intérprete, pero el uso de la compresión ofrece mucha más flexibilidad que los dedos del guitarrista.
Comprimir la señal cuando grabas genera un efecto de sostenido al reducir el margen dinámico de la señal de guitarra, que permite acercar los niveles de las notas sostenidas más flojas a los de los transitorios más intensos. En este caso, la compresión altera la salida de la guitarra y la interacción del guitarrista con su instrumento mientras lo toca. Aparte del compresor, durante la grabación podrías emplear un limitador que evite recortes de la señal a la entrada. Es posible configurar un limitador/ compresor combinado para que haga eso a la vez que comprimes.
Sin embargo, no conviene usar un limitador mientras grabas la guitarra, sino dejar que el compresor y la etapa de ganancia aseguren que nada supera la línea roja. De hecho, los limitadores no poseen ninguna cualidad sonora especial, así que podrías vivir sin ellos sin problemas.
Cuando mezclas –y hasta cierto punto cuando grabas– la compresión provoca un aumento aparente del volumen global. Esto permite colocar un instrumento en primer plano de la mezcla sin tener que retocar mucho los niveles...