Jeremy Borum, productor y compositor en Hollywood, atiende a nuestras preguntas sobre composición de bandas sonoras. Hablamos de instrumentos virtuales, trucos de mezcla, y su libro Guerrilla Film Scoring

Aquí en SONICplug, somos unos enormes fans del Cine – desde películas extranjeras y series de TV hasta los más grandes blockbusters de Hollywood. Dejando de lado los cautivadores efectos especiales, los increíbles sets de rodaje y las actuaciones hipnóticas, uno de nuestros aspectos favoritos del Cine es la ‘humilde’ banda sonora.

Desde el sutil y escalofriante diseño sonoro en las películas de terror y ciencia-ficción, hasta las monumentales y épicas bandas sonoras del Cine de acción o drama. Nada nos acelera más el corazón que una buena banda sonora. Es por eso que pasamos tiempo apostando fuerte por la creación de ambientes cinemáticos y drones sonoros para las entregas de nuestro catálogo. Así es como nos encontramos hablando con el experimentado compositor y diseñador sonoro de Hollywood, Jeremy Borum.

Los entresijos que nos cuenta Jeremy sobre la industria y la composición de bandas sonoras son fascinantes como mínimo, particularmente si eres un aspirante a compositor de BSO y estás buscando consejos prácticos para convertir tu sueño en realidad. Estábamos encantados de tener la oportunidad de hacer algunas preguntas a Jeremy, explorando las bandas sonoras actuales y el uso de samples en éstas y demás… Aprendimos mucho de sus respuestas y esperamos que tú también. ¡Disfruta de la entrevista entera aquí mismo!

ModeAudio (MA): ¿Cuál es tu experiencia en composición de bandas sonoras para Cine y Televisión? ¿En qué proyectos has trabajado y en qué puesto?

Jeremy Borum (JB): «He estado creando musica para diferentes medios de comunicación profesionalmente y a tiempo completo durante unos 15 años. Cada colaboración es diferente, aunque paso la mayoría de tiempo componiendo, haciendo arreglos o escribiendo partituras. Mis composiciones han aparecido en títulos como The Need For Speed, Ultimátum A la Tierra (remake de 2008), American Gangster y Red De Mentiras. Como compositor he puesto música en anuncios para compañías como Pedigree y Blue Shield Of California (servicios médicos), y compuesto para videojuegos de Sony (Los Pitufos 2) y la aseguradora New York Life. También he escrito un libro llamado Guerrilla Film Scoring, que es una guía para introducirte en la composición de bandas sonoras de una forma rápida y rentable».

MA: ¿Podrías contarnos un poco acerca del panorama actual en composición de bandas sonoras, donde predominan los proyectos que involucran la mezcla de instrumentos reales con virtuales y también el uso de samples?

JB: «Vivimos muy buenos tiempos para la composición musical. En la última década hemos asistido a una oleada de aceptación de todo tipo de sonidos, y un gran avance en lo que se refiere a la utilización de instrumentos virtuales. Ya no existe esa jerarquía que defina qué sonidos pueden o no utilizarse o cuáles son aptos. Todos pueden mezclarse libremente en diferentes géneros. Hay muy poca música destinada a los medios de comunicación hoy en día que no incluya instrumentos virtuales o samples, incluso en los presupuestos más altos. Los días en que los samplers y sintetizadores eran ciudadanos de segunda clase en comparación a los instrumentos tradicionales, han quedado atrás. Todas las fuentes sonoras son igualmente legítimas, y son aceptadas sin problemas por los clientes».

«El resultado actual es que los samples se utilizan para ahorrar dinero, y deben ser utilizados si el compositor espera obtener beneficios. Es posible crear buenas composiciones muy baratas, lo cual es una ventaja sobre los compositores de hace décadas. Por otra parte, las librerías son limitadas, y las utilizan compositores de todo el mundo. El riesgo a sonar como otros es muy grande, como resultado».

«La mayoría de compositores pasa el tiempo que trabajan a solas. Es un proceso mayoritariamente independiente incluso en los presupuestos más altos. Por ejemplo, en un programa de TV se contrata a uno o dos músicos de directo como mucho, por capítulo. El resto ya está hecho por el compositor o creado virtualmente. Los instrumentos virtuales son una parte esencial en mi libro Guerrilla Film Scoring, y sin el dominio de ellos muchos compositores no llegarán muy lejos en la industria hoy día».

MA: ¿Cómo se balancean todos esos elementos en la actual composición de bandas sonoras?

JB: «El mejor uso de sintetizadores e instrumentos virtuales es para los sonidos no-acústicos. Un sinte siempre hará mejor su trabajo sonando como lo que es y no intentando sonar como un violín, y del mismo modo una persona que ha pasado su vida tocando el violín siempre será mejor que la mejor de las librerías de samples. Desafortunadamente, los presupuestos no suelen permitir esta filosofía idealizada de trabajo para supervivencia».

«Los distintos géneros musicales plantean diferentes expectativas y convenciones al usar instrumentos acústicos muestreados. En videojuegos y televisión, el sonido de samples es casi inherente, y a veces preferido. En la composición de bandas sonoras para películas, el uso de samples es más una cuestión de presupuesto que de estética, y su uso normalmente es para ‘maquillar’ el sonido, haciendo que los samples suenen como instrumentos reales. En un proyecto para un álbum, la elección de imitar un sonido natural o el uso de samples ya depende de las preferencias del artista y de cómo desee sonar».

«Es muy común construir capas de sonido mezclando ambos instrumentos, superponiendo los reales a los samples y generar un resultado más creíble. Un conjunto de músicos puede hacer sonar a una orquesta MIDI sustancialmente mejor. Los instrumentos destacados y en primer plano tendrán la máxima prioridad, los instrumentos medios serán los siguientes, y los de sonidos de fondo y bajo, serán los últimos. Nuestros oídos favorecen las altas frecuencias, así que añadir unos pocos violines ayudará más que un bajo, en un sonido de cuerdas».

«Uno de los modos habituales en que son utilizadas las librerías de instrumentos acústicos es para mejorar rítmicamente las actuaciones en directo. El MIDI puede ser perfectamente cuantizado y los samples tienen ataques muy nítidos, por lo que en momentos que necesitamos velocidad y precisión de ritmo, los samples son a menudo una gran ayuda».

«En el caso de la composición de bandas sonoras construidas enteramente con samples, es muy común utilizar diferentes librerías de sonido. Continuando con el ejemplo anterior del violín, cada librería contiene diferentes sonidos, fuertes y débiles. Un violín puede ser brillante, otro oscuro, otro más apagado, seco, puede tener un ataque rápido, uno puede ser lento, etc. Muchos compositores usan diferentes librerías y seleccionan los mejores elementos de éstas durante el proceso de mezcla. Este enfoque tiene el beneficio adicional de que el resultado final no sonará como ninguna librería en particular».

MA: ¿De qué manera has utilizado samples e instrumentos en proyectos anteriores?

JB: «Resumiendo, de todas las que podáis imaginar. Si hay un parámetro que pueda controlarse, DEBE ser controlado. Los compositores también necesitamos practicar, y tener un control profundo de todos los aspectos de los instrumentos virtuales es el equivalente a la ‘técnica’ de un músico clásico. Si estás utilizando presets o dejando controles sin tocar, estarás tocando como un niño y no como un maestro».

«Es muy importante que los compositores aprendan y practiquen con sus instrumentos virtuales. Conocer lo que es posible con ellos no es suficiente. Deben hacer ejercicios específicos en los que se centren y aprovechen las diferentes características y parámetros de su instrumentos, y practicar con ellos utilizándolos de mil y una formas. Si lo hacen con la mentalidad de estudiarlo seriamente y con una insaciable curiosidad, obtendrán mucho más de sus herramientas y como resultado su música será mucho más atractiva».

MA: ¿Podrías compartir algún truco o técnica interesante e inusual de diseño sonoro para composición de bandas sonoras, que todos aquellos que hacen música electrónica tengan oportunidad de usar de algún modo?

JB: «Los productores necesitan recordar que el espacio físico de su estudio es una herramienta de mezcla que colorea todas sus mezclas. Creo que el dominio de los graves es lo que diferencia una buena mezcla de una mala. Es una de las cosas mas duras de hacer, principalmente por tres razones: las frecuencias bajas son más difíciles de distinguir entre sí que las altas, muchos altavoces tienen bajos deficientes y una respuesta en frecuencias graves lejos de ser plana, y la mayoría de estudios tiene problemas con su respuesta de graves en sala».

«Esto último es lo más fácil y barato de solucionar. Cualquiera un poco serio en lo referente a la mezcla en la música, necesita tratar la respuesta en graves de su sala, en particular aquellos que se centran en música con bajos pesados. Las trampas de graves y otros tratamientos acústicos te costarán una fracción del coste de una actualización de tus altavoces, y la mejora en tus mezclas se hará tangible de inmediato».

«La mejor técnica de mezcla es tomarte muy en serio el diseño físico y la sonorización de tu entorno de trabajo. Cada frecuencia resonante influirá en tu modo de mezclar, así tu sala coloreará cada pista de tu proyecto, incluso si no utilizas ningún instrumento real. Una vez que tu entorno sea tratado acústicamente y te permita escuchar realmente bien tus mezclas, estarás mejor preparado para hacer grandes mezclas, traducibles a cualquier sistema».

MA: ¿Están los conceptos mencionados arriba en tu libro sobre composición de bandas sonoras? ¿Hay una mezcla de teoría y práctica en su enfoque?

JB: Guerrilla Film Scoring contiene todo eso y mucho más. Es un sencillo manual ‘hazlo-tú-mismo’ que ayudará a compositores de todos los niveles a crear mejores bandas sonoras, rápida y efectivamente de forma eficaz -sin sacrificar su creatividad. Está escrito desde la perspectiva de alguien que conoce los entresijos de Hollywood, y colaboran 20 conocidos compositores que comparten sus prácticos consejos. Proporciona técnicas de supervivencia para aquellos que están o esperan trabajar en la industria musical, y rellena la brecha obvia entre los estudios musicales tradicionales y una carrera de música. Contiene consejos totalmente aplicables a todos los músicos que están trabajando. También contiene un documental con el mismo nombre».

Nos gustaría dar las gracias a Jeremy Borum por su amabilidad y prestarse a responder nuestras preguntas de una manera tan extensa y profunda -¡asegúrate de echarle un ojo a su trailer para el documental Hollywood Film & TV Scoring y aprender más sabios consejos de los profesionales!

Este contenido se publica mediante licencia expresa del autor. El texto original en inglés «Film Soundtrack Composing: Jeremy Borum» está disponible en el blog Magazine de Mode Audio.

OFERTAS DE NUESTROS PATROCINADORES